„Anmutig treten sie zart auf die verstreuten Scherben“.

Die Werke von Yih-han WU sind bekannt für ihren einzigartigen, kühnen und doch sehr zurückhaltenden künstlerischen Stil. Im Mittelpunkt ihres Schaffens steht ein zeitloses und doch immer wiederkehrendes Thema - das Geborenwerden als Frau, wobei der Schwerpunkt auf dem „weiblichen Körper“ liegt. In einer Gesellschaft, in der das Privatleben politische Fragen aufwirft, bleibt der weibliche Körper ein umstrittenes und tabuisiertes Thema, das oft zum Gegenstand und Symbol männlicher Macht, Dominanz und Eroberung wird. Das 20. Jahrhundert war eine Zeit des Kampfes für die Befreiung der Frauen in Bezug auf ihren Körper, von der Frauenwahlrechtsbewegung 1928 in Großbritannien bis zum Abtreibungsrecht 1975. Obwohl die 1970er Jahre für die Frauenbewegung einen Sieg zu bedeuten schienen, ist der Kampf im 21. Jahrhundert noch lange nicht vorbei. Jahrhundert noch lange nicht vorbei. Als Künstlerin setzt Yih-han WU den Kampf für geschlechtsspezifische Belange durch ihre Arbeiten fort, von der „Little Adults Series“ aus dem Jahr 2013 bis zur Einzelausstellung „Your Body Shouldn't Be Your Portrait“ aus dem Jahr 2022, wobei sie die Kunst beharrlich nutzt, um geschlechtsspezifischen Belangen Ausdruck zu verleihen.

Die aktuelle Ausstellung trägt den Titel „Gracefully, they delicately tread upon the scattered fragments“ (Anmutig treten sie auf die verstreuten Fragmente), ein Auszug aus „The Goddess Buffet“ von Zhiyu LIU, in dem von den Nachwehen des Traumas des Geschlechterkriegs die Rede ist, mit Schockwellen, die unter den betroffenen Frauen widerhallen, die alle innere Verletzungen tragen, außer Yih-han, die das Thema von „sie“ zu „sie“ geändert hat, wo sie glaubt, dass Gleichheit nicht nur in Bezug auf Geschlechterfragen existiert, sondern auf „alle“ ausgedehnt wird. In der diesjährigen Ausstellung verwendet Yih-han WU Aquarelle als Medium, wobei sie sich die traditionelle westliche Malerei aneignet. Durch den Einsatz einfacher Farben, heller, verschwommener und fließender Tinte auf Papier mit Aquarellfarben, die anstelle von klaren und schweren Wandmalereien oder Ölfarben verwendet werden, entsteht ein einzigartiges Gefühl von Linien und Atmosphäre.

Persönliche Pinselstriche, fließende und doch intensive Linien und Spuren, die durch unterschiedliche Spannungen zwischen Pigmenten und Wasser entstehen, zeugen von Freiheit und Spontaneität. In ihren Werken wählt sie Elemente aus westlichen klassischen Gemälden aus, die sich auf weibliche Legenden und Geschichten aus der Bibel beziehen, und isoliert sie aus ihren ursprünglichen komplexen Kompositionen. Diese Elemente werden auf das geheimnisvolle leere Papier gelegt, das wie ein Ausschnitt wirkt, und schaffen so neue Layouts und räumliche Beziehungen. Dieser Ansatz verstärkt die ausdrucksstarken Elemente und Möglichkeiten der Materialien, während er den erklärenden Charakter der Bilder reduziert, Text und Erzählung ausblendet, um die sinnliche Ästhetik zu betonen und erotische Elemente zu eliminieren. Dieser Prozess kann als eine „Verschiebung“ von Zeit und Raum gesehen werden, die die verführerischsten und umstrittensten weiblichen Körper der Geschichte neu interpretiert. Yih-han WU erzählt Geschichten von Frauen, die begehrt, vergewaltigt, angeklagt und bestraft werden, die aufgrund der Erbsünde die Schmerzen der Geburt ertragen und die Ausstrahlung der Mutterschaft verkörpern. Sie unterstreicht die Idee, dass Frauen sich nicht wegen ihres Körpers schuldig oder ängstlich fühlen sollten, und stellt die Vorstellung in Frage, dass Frauen mehr als nur „Frauen“ sein können und in verschiedenen Formen auftreten. Yih-han WU nutzt erfolgreich die Methoden der zeitgenössischen Kunst des 21. Jahrhunderts, um sich der Herausforderung zu stellen, „wie man sie darstellen kann“, und hat damit einen neuen Weg geebnet.

In ihren Werken sehen wir, dass die Botschaft über die Beschränkung von Frauen hinausgeht; im Grunde sollte sich niemand schuldig, unterdrückt oder ängstlich fühlen, weil er „nicht den Normen entspricht“. Schließlich wohnen kostbare Seelen in den Körpern, und die Funktion der Kunst besteht darin, diese Seelen auszudrücken oder anzuregen - die tiefe Wurzel der Seele; die gemeinsame Sprache der verschiedenen Welten jenseits der geschriebenen Worte.